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艺术的社会表现 思考和谈论艺术

以宗教作为主题

 

基督教、佛教和伊斯兰艺术传统都使用了象征主义、叙事、仪式、反传统主义和作者身份来表达他们在历史上的信仰原则。宗教艺术是利用宗教灵感和主题的艺术。它的目的通常是把思想提升到精神上,或者传达宗教的原则。我们可以确定基督教、佛教和伊斯兰艺术传统中使用象征主义、仪式、圣像和作者身份来表达他们信仰的某些元素。

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宗教艺术是利用宗教灵感和/或图案的艺术。它通常旨在将精神提升到灵性或传达宗教的原则。我们可以确定基督教,佛教和伊斯兰艺术传统用象征主义,仪式,作者身份表达他们信仰的原则的某些元素。

 

 

基督教艺术

基督教艺术通常是为了阐明宗教的各种原则和叙述而产生的。随着时间的推移,大多数基督教教派在某种程度上都使用了艺术,尽管在宗教历史上有明确的反传统主义时期。

大多数基督教艺术都提到了一些对基督徒来说很熟悉的主题,比如圣母玛利亚抱着婴儿耶稣或钉死在十字架上。

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虽然基督教是一神论的宗教,但基督教徒相信上帝是三位一体的,意思是三位一体的三个人(圣父、圣子、圣灵)在一个联盟中,每个人都是完全的神。大多数基督教艺术都关注耶稣,尤其是在耶稣受难或圣经故事中,而圣灵通常被描绘成一只鸽子或一种火舌。上帝是耶稣的父亲,很少有视觉上的描绘。从历史上看,基督教使用了一个复杂的肖像系统,每一个圣徒都与一个特定的物体或动物联系在一起。例如,圣彼得被描绘成钥匙,而圣派翠克则被描绘成一个三叶草,目的是为了快速地向潜在的不识字的观众传达故事。

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Virgin and Child. Wall painting from the early catacombs, Rome, 4th century. 最常见的基督教主题之一是圣母玛利亚抱着婴儿耶稣。

 

佛教艺术

 

佛教艺术起源于印度次大陆(The South Asian Subcontinent),在公元前六世纪到五世纪的乔达摩·悉达多,也被称为乔达摩佛,又称释迦摩尼,通过与其他文化的接触而演变,在整个亚洲和世界传播。

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佛教艺术追随信徒,在每一个新的东道国都有佛法的传播、改编和发展。它通过中亚和东亚向北发展,形成了佛教艺术的北方分支,并向东延伸至东南亚,形成了佛教艺术的南方分支。在印度,佛教艺术蓬勃发展,甚至影响了印度艺术的发展,而藏传佛教艺术则是一种冥想练习。西藏冥想艺术的一个重要例子是沙曼荼罗,由僧侣制作和使用,用于冥想。

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沙曼荼罗:西藏冥想艺术的一个例子  是沙曼荼罗,由僧侣制作,用于冥想。

 

从主题上讲,佛教艺术通常是由虔诚的作品组成,描绘的是与佛陀和菩萨有关的神话和故事。佛教艺术的种类有很大的变化,因为宗教是如此的巨大。一些佛教艺术包含了万物有灵论的主题,即把自然元素(动物、自然、地球)描绘成精神实体。艺术的创造传统上被认为是一种冥想本身,同时也是一种方法,可以产生一个物体来帮助其他人进行冥想。

 

 

伊斯兰艺术

 

伊斯兰艺术在宗教 禁止表征图象艺术 宗教艺术中具有代表性的形象,并演变为主要由书法装饰和重复几何组成的图案。为了表达秩序和自然的理想,这些几何图案被用来装饰宗教建筑、地毯、手稿和其他艺术物品。神圣的伊斯兰艺术反映了一种关注精神本质而非物质形态的世界观。

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伊斯兰书法:18世纪的土耳其书法作品,描绘了“以上帝的名义,最仁慈,最亲切的”这句话。书法是伊斯兰艺术中最受推崇和最基本的元素。书法作为装饰的使用具有一定的审美情趣,但也往往包含了潜在的护身符成分。

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几何图案构成了伊斯兰艺术中三种非具象性的装饰之一,其中也包括书法和植物图案。抽象的设计不仅装饰了不朽的伊斯兰建筑的表面,而且在各种各样的物体上都起到了主要的装饰元素的作用。

 

 

市场需求

 

艺术市场的关键组成部分是画廊、策展人、交易商、顾问和收藏家。艺术市场是一个经济生态系统,它不仅依赖于供给和需求,还依赖于制造一项工作预测的未来货币和/或文化价值。艺术品市场似乎有些不太清楚,因为艺术家们并不是唯一想要出售艺术品,而买家往往不知道他们购买艺术品的价值。

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艺术市场由两部分组成:一级市场和二级市场。一级艺术市场是指第一次进入市场的艺术,而二级市场指的是至少曾经卖出过一次的艺术品。一旦作品被售出,它进入二级市场,其出售的价格对其随后的价格有直接影响。例如,毕加索的画作《拿烟斗的男孩》在拍卖会上以10420万美元的价格成交,从而使其价值达到了10420万美元。

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1905年,毕加索《拿烟斗的男孩》以1.042亿美元的价格出售。

 

供给和需求对二级市场的影响超过了初级市场,因为没有市场历史的当代艺术依赖于投机分析来确定其价值。艺术市场的重要参与者是画廊、策展人、交易商、顾问和收藏家。艺术画廊是商业或私人资助的商业作品,由当代艺术家或历史艺术家制作。

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非营利的画廊通常比商业画廊高出一步,包括博物馆和画廊,这些博物馆和画廊是由政府或慈善机构资助的,不出售艺术品,比如泰特现代美术馆。馆长通常是画廊的经理,也是规划空间和组织艺术展览的人。商业画廊的策展人可能有出售作品的责任,而博物馆的馆长通常会维护展览的组织方面。

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艺术品交易商是买卖艺术品的人或公司。他们通常会寻找艺术家来代表他们,同时与收藏家和博物馆建立关系,让他们可以出售作品。经销商往往能够预测市场趋势,一些知名的经销商可能会影响市场的口味。许多经销商专门从事特定的风格、区域或时间,并在国际上进行展览、拍卖、艺术家工作室和艺术博览会,以获取新的作品。一个非常著名的艺术品交易商的例子是拉里·高古轩,他同时拥有高古轩画廊,一个极具影响力的画廊。

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艺术博览会是一种惯例或大型展览,画廊展示他们所代表的精选艺术家的作品,对当代艺术市场的结构很重要。

著名的艺术博览会包括巴塞尔艺术博览会,范围,Frieze艺术博览会,NADA和军械库展。

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Frieze艺术博览会

 

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Business Insider/Aly Weisman  Frieze艺术博览会展品

 

在拍卖会上出售艺术品的传统可以追溯到17世纪,并在今天继续蓬勃发展。艺术品拍卖最受艺术界高度重视,如毕加索、莫奈、杰夫昆斯和安迪沃霍尔的作品。主要的拍卖行是佳士得Christie’s和苏富比Sotheby’s。

 

 

浪漫的民族主义

 

艺术可以通过提供一个具有政治和社会合法性的国家来促进民族主义的目标。浪漫的民族主义是浪漫主义的重要组成部分,也是后启蒙时代的哲学思想,主要集中在民族语言、民间传说和传统习俗的发展上。

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加尔马什的浪漫主义印象派

 

浪漫的民族主义指的是一个国家从其统治的统一中获得权力的现象,无论是通过文化、宗教、习俗、语言还是种族。这种形式的民族主义是对帝国主义和王朝霸权的反应,这种霸权不是自下而上的,而是自上而下的;换句话说,从权威到人民,民族颂歌、民族史诗和国宝是浪漫民族主义语言的一部分,可以追溯到18世纪和19世纪。

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Vasili Pukirev的婚姻安排 1861

 

到了19世纪70年代之后,浪漫的民族主义成为了一种非常熟悉的艺术运动,它允许对过去进行重新诠释,而不被认为仅仅是历史主义者。

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维托里奥雷吉亚尼尼的无条件情人 19世纪晚期

 

从德国分离出芬兰和巴以巴王国的民族主义运动被证明是成功的,同样的历史依据还有,捷克和塞尔维亚的民族主义引发了冲突,威尔士和爱尔兰的语言经历了诗意的复兴,犹太复国主义运动又恢复了希伯来语,并开始向以色列移民等。在20世纪的头几十年里,浪漫的民族主义对政治事件产生了重要影响。在某种意义上,民族国家在文化和种族中形成的民族在某种意义上是“自然的”。然而,在第二次世界大战之后,浪漫主义的民族主义呈现出更黑暗的基调。

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二世浪漫与艺术

 

今天仍然存在一定程度的以艺术为基础的民族自豪感。国家通过其艺术产出获得政治实力的古老概念仍然成立。文化遗产 – 有形和无形 – 被认为是非常有价值的。博物馆和艺术画廊归国家所有,这种情况并不少见,从而给展览带来了偏见和/或民族主义的世界观。

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Dom博物馆 维也纳

 

“国宝”是指共享文化,它被认为是非常有价值的,可以是一个技艺高超的音乐家,如大提琴演奏者马友友,或者是一个具有重要价值的文化对象,如英国制造的贝叶挂毯Bayeux Tapestry。

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贝叶挂毯Bayeux Tapestry 英国

 

政府通过向那些希望支持他们的职业艺术家们提供奖助金和奖励来影响他们所在地区的艺术产出——这一模式与过去欧洲盛行的王朝式的赞助不同。

 

博物馆和私人收藏

 

博物馆和私人收藏从事收集和展示的艺术作品。博物馆是收藏艺术品的机构,可以通过永久性或临时展览供公众观看。博物馆不出售艺术品,但本质上是把它们放在公众的信任中,并从事不同程度的教育和保护实践。

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Myron Kunin 私人藏馆

 

私人收藏是私人所有的艺术品,这些艺术品可能无法供公众观看。博物馆和私人收藏都参与了艺术作品的收藏和展览。

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Howard Sooley 藏品

 

早期的博物馆最初是富裕家庭和个人的私人收藏。最初,只有贵族才能收藏艺术品,但很快,富裕阶层开始养成在沙龙和起居室里收集和展示考古和艺术品的习惯。“好奇的柜子”或者是保存这些艺术品和艺术品收藏的柜子,变得司空见惯,也是博物馆和私人收藏的开始。

艺术的社会表现 思考和谈论艺术Rabo Museum 敏感词汇 博物馆

 

通常,这些私人收藏可以被所谓的“受人尊敬的”公众观看,但大多数人直到18世纪才对公众开放。大多数重要的博物馆都是在18世纪或启蒙时代向公众开放的,这是一个以其在社会中追求和传播知识而闻名的时代。在启蒙运动时期,艺术尤为重要,被视为一种崇高的追求。

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阿什莫尔博物馆 牛津

 

这次大旅行在这段时间里变得非常流行,巩固了从海外旅行中收集展品的习惯。许多最重要的私人藏品都是在18世纪向公众开放的,比如意大利佛罗伦萨的乌菲齐美术馆;法国巴黎的卢浮宫;还有赫米蒂奇博物馆,由凯瑟琳大帝于1764年创立。

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乌菲齐美术馆 Galleria degli Uffizi

 

如今,博物馆里的许多艺术作品实际上都是来自私人收藏的捐赠。此外,在一个临时博物馆展览中,通常会有一张纸条贴在一件艺术品旁边,上面写着它是从一个特定的私人收藏借来的。目前,一些私人收藏仍然是私人收藏,有些则可用于公众观看。纽约的弗里克收藏馆是这座城市中最杰出的小型艺术博物馆之一。藏品包括亨利克莱弗里克的宅邸,其中包括扬范埃克、弗拉戈纳尔、伦勃朗等人的老大师画作。

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巴黎卢浮宫:巴黎卢浮宫博物馆是18世纪向公众开放的私人收藏

 

 

艺术品的保存与修复

 

艺术品的保存与修复是一个致力于保护文化遗产的职业,艺术作品的保存与修复是人类的责任与贡献。从事这一职业的活动包括检查、文件、治疗和预防保护。保护者的目标是尽可能地保持文化遗产接近最原始的状态,管理员充当这些物品的管家。

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罗马竞技场

 

在1565年,随着西斯廷教堂壁画的修复,保护的传统被认为是最开始的。在19世纪,科学和艺术的领域相互交织在一起,科学的过程被用来照顾艺术对象。

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米切朗基罗在西斯廷教堂都天花板上的艺术品

 

今天,所有的博物馆都会雇佣一组管理员,来进行频繁的测试,并进行分析和记录来维护他们的藏品。

此外,许多组织为了保护艺术物品创造了标准化的方法,如国际保护历史和艺术作品研究所和美国自然保护研究所等。

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菲茨威廉博物馆

 

保护的一个指导原则是“可逆性”的概念;也就是说,任何对物体的干预都应该是完全可逆的,并且物体应该能够返回到它的原始状态。“干预保护”是指任何涉及到保护器与文化材料之间直接互动的行为,如清洁、稳定、修复或更换部件。管理员被要求充分证明这类工作的合理性,并在前后完成对流程的文档记录。

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修复前后的一幅画:这幅画和画框的前后图像说明了艺术修复是如何将艺术作品恢复到原来的状态的。干预保护的例子包括保护剥落的油漆和有色清漆的处理,在这种情况下,修复者在原有的清漆上涂上一层有色的清漆,给人一种错觉,认为工作上的斑点已经被重新涂上了。

 

 

艺术文化的冲突

 

尽管机构和藏主尽其所能保护艺术品,但由于与所有权、人为错误、破坏和挪用有关的问题,艺术文化的冲突出现并不罕见。战争、政治动荡、事故和灾难是典型的外部因素,这些因素在艺术作品中造成了保护冲突。

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纳粹艺术收藏了遗失艺术品的冰山一角

 

所有权冲突是常见的,特别是在动荡时期,比如战争,当有更高的不道德行为的可能性时。在冲突期间,艺术经常被偷或被掠夺,甚至被摧毁。

挪用和掠夺是描述抢劫过程的相关术语。在第二次世界大战期间,纳粹掠夺了大量的欧洲艺术品,其中大部分最终被归还,或者归还给了它的合法主人。

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据说慕尼黑博物馆将被掠夺的艺术品卖给了纳粹

 

盗用与仿造在艺术中是一个复杂的问题。对非本土居民的商业使用的美国原住民肖像、圣像和雕塑的盗用一直是争议的来源,导致了文化的曲解。例如,卡瓷娃娃是一种神圣的霍皮雕塑,传统上,它只在特定的霍皮仪式活动中被看到。许多商业复制品已经被创造出来卖给游客,改变了这个物体的原始意图。

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霍皮卡瓷娃娃 19世纪

 

在某些西方艺术运动中,盗用与仿造已经被接受。例如,达达主义和超现实主义作品通常使用大量的临摹,就像在马塞尔杜尚的“L.H.O.O.Q”中所看到的那样。《L.H.O.O.Q》作品译为带胡须的蒙娜丽莎,通常评论家都把这幅画看作是对传统艺术的嘲讽。

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马塞尔杜尚 L.H.O.O.Q.

 

版权可以给创作者原创作品的独占权,通常是在有限的时间内的。然而,在这段时间之后,艺术作品可能被他人盗用和使用,从而引发冲突。互联网使围绕所有权和盗用的问题变得更加复杂,尤其是在艺术领域哈。

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